在学习画画的过程中，除了量的积累，哪些知识点让你对绘画的理解有一个层面上的提升？

学习绘画必须要下苦工夫，坚持不懈，持之以恒，不断临摹研究，这样自己的画艺才能进步。

古人不是说：温故而知新吗，绘画也是这样，只有不断地学习他人的长处，你才会有新的体会，知道自己的不足，虚心接受，加强自己，提高自己。

这么多年，我老公也是这样过来的。每天都不知疲倦地画，画累了就看书学习，看大名家的作品，细细琢磨。

有一天，他突然把白石老人的画册拿给我看，是一幅菊花，我不知看什么？他让我看菊花的颜色，我也看不出奥妙，颜色都非常飘亮，左看右看还是什么也看不出。他指着花瓣上的地方说，你看大师着色浓淡深浅各不相同，所以画出来的才更好看。

后来，我老公再画菊花时，也用那种方法，画出来的就比以前的好看。

只要是历代有名的大家，他们的作品肯它有过人之处，都值得我们后人好好去学习研究为己所用。

所以学画画，一定多画多练，下苦工夫，然后还要不断地学习名师大家，借鉴别人的长处来提高自己，只有这么做，画艺才会提高的快。

这个问题问得很好。

有的人说：“量变才能质变”，也就是绘画作品达到了一定的“量”后，绘画的水平就会提高，这是有一定道理的。绘画是一项长期的艰苦劳动，只有坚持不懈地努力，才能创造出优秀的作品。

但是，对于初学绘画，或者水平不是很高的绘画爱好者来说，有时，绘画的“量”即使积累了很多，如果没有一些美术理论知识，或者知识点的支撑，光靠自己去瞎琢磨，或者像某些人说的去“悟”，是琢磨不出来，也很难悟出来的。

就拿我本人学画的经历来说吧，记得刚开始画素描的时候，老师说要画出物体的“三大面”和“五调子”，这样就可以表现出物体的立体感了。学了一段时间后，基本能表现出了物体的立体感，后来老师又说你这个画得太实，没有“空气感”。素描还有空气感？还是第一次听到，自己就开始瞎琢磨怎么画“空气”了，结果“空气感”有了，立体感没了，因为，为了画出“透明度”，暗部就不敢画深，害怕画深以后，暗部“不透气”，没有空气感。

苦恼了好长时间，看别的同学画，看素描书，临摹，好几天才明白“空气感”的道理（知识点）：排线不要太密，要有虚实变化，不要扣得太死等等。等到“空气感”有了，老师又说，你画的没有“光感”和“质感”——我的妈啊，这个怎么弄啊！刚才把“空气”解决，又来了个“光”和“质”，对于一个初学者来说，真的有点难。

就只好再去看素描范本，多看别人的经验分享，再看其他画得好的同学们画，并请教老师和同学，慢慢体会到怎么表现“光感”和“质感”：对于有光泽的器物，比如瓷器、金属或玻璃器皿等，就要用细腻的线条，慢慢地过度，层次要丰富，特别是高光旁边的灰部处理，一定要细心。“质感”就是要表现出不同物体的不同特性，比如：玻璃要透明，瓷器和金属要发亮等等。而陶器因为是土烧制的，除了上过釉彩的，大多没有光泽，所以，在表现的时候，就和瓷器的画法不一样。

只有多看素描书，问老师和同学，找到画“光感”和“质感”的技法（知识点）：铅笔尖削得细一点，线排得有层次一点，时间多花一点，加强灰部的层次，特别是高光边上的灰部。对于陶器的画法，笔尖可以粗一点，画得毛糙一点等等。

再从开始学习水墨画来简单聊几句。

记得刚开始学习水墨山水的时候，总喜欢用传统山水的技法，不知道怎么用墨，总是把画面画得黑乎乎的，老师说：“水墨山水”和传统山水不一样，传统山水很少讲墨的变化，而水墨山水，既要讲笔法的运用，线条的运用，还要注意墨色的变化，所谓“墨分五彩”，或者也有人说“墨分七彩”，总之，你要注意墨色的变化。

我们哪里懂什么“五彩”、“七彩”？当时只懂“一彩”。只好一边临摹，一边琢磨，又看视频，听老师讲和示范，才明白墨色的变化规律，即：用水和用墨的多少，用笔的节奏快慢等等。有时，在绘画的过程中，还有一些特殊的技巧，如果没有书本知识，或者老师的示范，光靠自己去“悟”，可能一辈子都悟不出来。